Ikebana 101: Alles, was Sie brauchen, um die japanische Kunst des Blumenarrangements zu verstehen (und zu praktizieren).

Von Elissa Suh

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Mit einer über 600-jährigen Geschichte ist Ikebana in Japan nach wie vor eine geschätzte Tradition, die von Generation zu Generation weitergegeben wird, um sich mit der Natur zu verbinden und Kreativität auszudrücken. Diese spezielle Art des Blumenarrangements hat sich zu einer hoch angesehenen Kunstform entwickelt, die den japanischen Sinn für Ästhetik und Philosophie widerspiegelt.

In den letzten Jahren ist eine neue Welle des modernen Ikebana entstanden, die traditionelle Formen herausfordert und die Grenzen des Möglichen verschiebt. Von kühnen, minimalistischen Arrangements bis hin zu avantgardistischen Designs zieht Ikebana (und das damit verbundene Freakebana) eine neue Generation von Enthusiasten an, die von seinem innovativen Geist und seinem zeitgenössischen Stil angezogen werden.

Ikebana, auch bekannt als Kado oder „Weg der Blumen“, ist eine traditionelle japanische Kunstform, bei der Blumen und andere natürliche Materialien stilisiert arrangiert werden. Laut Shozo Sato, Künstler und Autor von „The Art of Arranging Flowers“, lassen sich seine Ursprünge bis ins sechste Jahrhundert zurückverfolgen, als China den Buddhismus in Japan einführte. Einfache Blumenarrangements (Kuge genannt) waren eine Möglichkeit, Buddha zu ehren, und diese Praxis entwickelte sich im Laufe der Zeit zur eher formalisierten Kunst des Ikebana.

Obwohl Ikebana buddhistische Wurzeln hat, geht seine Entwicklung tatsächlich auf das alte Japan zurück, wo Schlüsselfaktoren wie die Landschaft eine Rolle bei seiner Entstehung spielten. „Am Anfang ging es bei Ikebana nicht nur um Design. Es geht eher um die Wertschätzung der Natur“, sagt Asae Takahashi, Präsidentin der Ohara School of Ikebana New York Chapter. „Da 70 % ihres Landes von Bergen bedeckt waren und viele Teiche, Seen und Flüsse beherbergten, hegten die Japaner nicht nur Bewunderung für die Natur, sondern auch Angst vor ihr.“ Insbesondere Blumen und Bäumen wurde eine starke Kraft zugeschrieben, um Götter anzuziehen, und die Menschen ließen Blumen und Zweige in ihren Häusern zurück, um sie willkommen zu heißen, ein Brauch, der als Yorishiro bekannt ist.

Nach der Ankunft des Buddhismus entwickelte sich Ikebana im 15. und 16. Jahrhundert deutlicher, zusammen mit anderen japanischen Kulturkünsten wie Chado (Teezeremonie), Kodo (Weihrauchverehrung) und Noh-Tanzdrama. Während dieser Zeit war Ikebana für buddhistische Priester und Mönche jedoch eine von Männern dominierte Aktivität. Erst im 18. Jahrhundert entwickelte sich die Praxis zu einer der beliebtesten Freizeitaktivitäten und weitete sich schließlich in verschiedenen Ikebana-Schulen aus.

Die Philosophie hinter Ikebana basiert auf der japanischen Ästhetik, die Einfachheit, schlichte Eleganz und Respekt vor der Natur betont. Bei Ikebana geht es nicht nur darum, Blumen zu arrangieren, sondern ein harmonisches Verhältnis zwischen den für die Anordnung verwendeten natürlichen Materialien und dem sie umgebenden Raum zu schaffen. „Wir versuchen, das Aussehen der Natur zu kopieren und in einen Behälter einzufügen“, erklärt Asae.

Im Ikebana geht es bei der Anordnung von Blumen nicht nur darum, einen angenehmen visuellen Effekt zu erzielen, sondern auch darum, ein Gefühl von Ausgeglichenheit, Harmonie und der Schönheit der Vergänglichkeit auszudrücken. Im Gegensatz zu westlichen Blumenarrangements, bei denen oft der Schwerpunkt auf Symmetrie und der Verwendung einer großen Vielfalt an Blumen und Blättern liegt, ist Ikebana tendenziell schlichter.

Ikebana konzentriert sich auf die Verwendung einiger sorgfältig ausgewählter Elemente und ist so arrangiert, dass die inhärente Schönheit und die natürlichen Qualitäten der Blume hervorgehoben werden. „Wir verwenden eine minimale Anzahl an Zweigen im Vergleich zu Arrangements im europäischen Stil, bei denen etwa 6.200 Rosen zum Einsatz kommen.“

Japanische Blumenarrangements legen Wert auf Asymmetrie und negativen Raum, was ein Gefühl von Bewegung und Dynamik innerhalb des Arrangements erzeugt. „Beim Ikebana ist es eines der wichtigsten Dinge, sicherzustellen, dass in der Anordnung der Raum frei bleibt. Wir mögen keinen geometrischen Ansatz.“ Dies trägt dazu bei, den Blumen ein Gefühl von Leben und Vitalität zu verleihen und erzeugt außerdem ein Gefühl von Tiefe und Raum innerhalb des Arrangements.

In Japan gibt es Millionen verschiedener Ikebana-Schulen (Ryuha), jede mit ihren eigenen einzigartigen Techniken, Stilen, Philosophien und Großmeistern (oder Iemoto). Die bekanntesten Schulen sind Ikenobo, Ohara und Sogetsu, die alle eine bedeutende Rolle bei der Gestaltung der Geschichte und Entwicklung von Ikebana gespielt haben.

Historisch gesehen verwendete Ikebana einheimische japanische Pflanzen wie Kirschblüten, Chrysanthemen, Kiefern und Bambus, die unterschiedliche Bedeutungen und Assoziationen hatten. Aber modernes Ikebana umfasst viele verschiedene Blumen mit Blick auf Saisonalität und Raum.

„Wenn Sie einen sehr engen Raum haben und eine riesige Hortensie einpflanzen, funktioniert das nicht“, fügt Asae hinzu. Während die Arrangements in der Vergangenheit in einer Nische (Tokonoma) stattfanden, die speziell für die Präsentation entworfen wurde, arbeiten Sie heute möglicherweise im Wohnzimmer oder in der Nische Ihrer Wohnung, und Ihre Blumenauswahl sollte sich daran orientieren.

Im Hinblick auf die Saisonalität schlägt Asae vor, bei der Auswahl der Materialien wie in der Mode auf eine Saison im Voraus zu blicken. „Im Sommer präsentieren Modehäuser bereits die Herbstsaison und Ikebana verfolgt einen ähnlichen Ansatz, weil wir einen Gast unterhalten möchten, um ihn in Zukunft zu zeigen.“ Was die Farbe betrifft, empfiehlt Asae, Ihre Favoriten auszuwählen.

In der Ohara-Schule des Ikebana bestehen die Arrangements aus drei Haupttypen von Stielen: Subjekt (Shushi), Objekt (Kyuaku Shi) und Sekundärstamm (Chu Kanshi), die in niedrigen Becken mit einem Kenzan angebracht sind. Asae empfiehlt die Verwendung einer Nudel- oder Salatschüssel; Eine Ramen-Schüssel würde aufgrund ihrer hohen Seiten nicht funktionieren.

Das Motiv ist der höchste Stiel – etwa doppelt so groß wie der Behälter (Durchmesser und Höhe der Schale). Asae gibt ihm den Spitznamen „König“, da er die gesamte Ordnung kontrolliert und organisiert. „Es ist fast wie ein Dirigent bei der Orchestrierung.“

Das Objekt ist dann die Königin, die ein Drittel der Größe des Subjekts hat und vorne in der Mitte platziert ist. „Sobald Sie das Motiv und das Objekt platziert haben, sind 90 % Ihrer Arbeit erledigt“, sagt Asae. Die sekundären Stängel dienen als Füllmaterial und runden das Arrangement ab. Sie sollten irgendwo zwischen Subjekt und Objekt liegen oder etwa zwei Drittel der Länge des Shushi ausmachen.

Natürlich gibt es immer noch mehr zu lernen, aber das Verständnis dieser Grundprinzipien ist ein großartiger erster Schritt in die Welt der Blumenkunst und eine unglaubliche Möglichkeit, tiefer mit der Natur in Kontakt zu treten und gleichzeitig Ihrer Kreativität Ausdruck zu verleihen.