Kate Sutton an den Kunstwochenenden in Amsterdam und London

MEHR ALS DREI JAHRE, nachdem die Pandemie die internationale Kunstwelt kreischend zum Stillstand gebracht hat, überlegen wir immer noch, wie wir uns wieder zusammenfinden können. Händler, die aus dem Hamsterrad des Messezirkus ausgestiegen sind, waren überrascht, als sie herausfanden, dass man tatsächlich ein oder zwei Franchises (oder sogar mehr, abhängig von Ihrem JPG-Spiel) überspringen konnte. Im Vorfeld der Art Basel waren Galerien auf der ganzen Welt dabei Sie schließen sich für verschiedene Variationen des „Gallery Weekend“ zusammen, einem hausgemachten Versuch, Sammler an die stationären Standorte zu locken, für die alle so teuer bezahlt haben.

Bleibt die Frage: Funktionieren diese Veranstaltungen tatsächlich? Das Berlin Gallery Weekend, dessen neunzehnte Ausgabe Ende April stattfand, hat eindeutig eine Formel gefunden, aber man kann mit Sicherheit sagen, dass die Stadt in dieser Hinsicht einen Vorsprung hatte. Das Gallery Weekend Beijing, das letzte Woche zu Ende ging, verfügt über ein Hybridmodell, das lokale Angebote durch Präsentationen von Gastgalerien abrundet, aber das reicht immer noch nicht aus, um Leute – darunter auch Händler – für ein chinesisches Visum in die Warteschlange zu stellen. Unterdessen sind Kunstwochen in Städten wie Salzburg und Ljubljana tendenziell eher verhaltene Angelegenheiten und verlassen sich auf die Kraft öffentlicher Cocktails und schicker Tragetaschen, um neues Publikum zu Hause anzulocken.

Letzten Mittwoch starteten die Niederlande mit der elften Amsterdam Art Week ins Getümmel, einem mehrtägigen Programm im Rahmen der Open Studios der Rijksakademie, einem zuverlässigen Anziehungspunkt für Schnäppchenjäger und institutionelle Direktoren mit begrenztem Budget gleichermaßen. Während einige über den Ehrenplatz der (kostenlosen) Kunsthochschule und die Verbannung kommerzieller Projekte auf einen Freitagabend-Slot murrten, fanden die Galerien immer noch Möglichkeiten, geschickt geplante Vorschauen einzuschleusen, indem sie ihre Zeitpläne versetzten, um sicherzustellen, dass dies der Fall war keine Überschneidung. Am Mittwochmorgen stieg ich in Schiphol aus dem Zug und hatte gerade genug Zeit, meinen Koffer abzugeben, bevor ich nach Domenica fuhr, um dort ein Mittagessen zu genießen, das Annet Gelink für Ryan Gander bereithielt. „Wir wollten ein anderes Restaurant ausprobieren, aber dann fanden wir heraus, dass heute Abend eine andere Galerie dort zu Abend isst“, entschuldigte sich Gelink. Es stellt sich heraus, dass es zu unserem Vorteil ist. Das Essen war fantastisch, auch wenn es zum Verrücktwerden als „Überraschung“ à la transatlantische Economy Class („Mahlzeit oder Pasta?“) dargestellt wurde. Gönner wie Inge de Bruijn-Heijn und ihre Tochter Aveline de Bruijn, die das Quetzal Art Center der Familie auf einem Weingut in Portugal betreibt, stöberten gemeinsam mit Cathy Jacob vom Museum Boijmans Van Beuningen und Brigitte Bloksma vom Museum Beelden aan Zee in der Parade der Teller von Burrata, Kalbstatar und dekadente Tagliatelle mit Branzino. Giulia Meloni von Gelink, eine sardische Transplantation, zuckte mit den Schultern. „Die Niederländer sind wie Italiener. Sie nehmen sich Zeit am Tisch.“

Leider hatte ich nicht den gleichen Luxus. Ich duckte mich, bevor der Kaffee serviert wurde, und schaffte es, mir die laufenden Ausstellungen von Fernando Sánchez Castillo im Tegenboschvanvreden und Dina Danish im Stigter van Doesburg anzusehen. Bei GRIMM hatte Francesca Mollett die Wände mit hübschen neuen Leinwänden bedeckt, während ich bei Fons Welters von David Jablonowskis totemistischen Skulpturen geradezu fasziniert war. „Sie bestehen aus den weggeworfenen Teilen des 3D-Drucks“, erklärte Händler Nick Terra. Ich war mir nicht sicher, ob ich die Erzählung gekauft habe – liegt der Sinn der Technik nicht darin, diese Art von Übermaß zu reduzieren? –, aber die Ergebnisse haben mich auf jeden Fall begeistert.

Ich rundete den Nachmittag in Stevenson ab, wo Mawande Ka Zenzile den sonnendurchfluteten Raum mit meditativen Gemälden aus Kuhmist auf Leinwand dekoriert hatte. „Südafrikanische Künstler haben diese Woche wirklich viel Spaß“, bemerkte Händler Joost Bosland. „Sie haben diese Show, Ernest Cole bei FOAM, Simnikiwe Buhlungu bei Ellen de Bruijne, Lungiswa Gqunta bei AKINCI …“ Dieser Moment setzte sich bei einem echten algerischen Festessen fort – riesige Schüsseln mit duftendem Couscous, Rosenkohl, gehäufte Teller mit Wassermelone – auf der anderen Seite des Kanals in Raïnaraï, wo der kürzlich ernannte Direktor des Prinz-Claus-Fonds, Marcus Tebogo Desando, und einige Leute vom Mondriaan-Fonds schrieben Olamiju Fajemisin und Eliel Jones sowie der Galerist Stefan Benchoam drängten sich alle um einen dicht besetzten Tisch, Ka Zenzile und die Galeriekollegen Cian-Yu Bai und Neo Matloga in der Mitte.

Das Hauptereignis an diesem Abend war ein Auftakt im Pakhuis de Zwijger im Stil einer Pep-Rallye. Ein durch und durch gut gelaunter MC brachte Kunst-„Witze“ auf Tinder-Niveau zum Besten und hielt dabei gerade lange genug inne, um den Hashtag #AAW zu zerstören. Neben mir gab Fajemisin die Nummer in ihr Handy ein und wurde sofort mit Bannern einer Wrestling-Liga begrüßt: „Crush and Destroy.“ Um ehrlich zu sein, hätte der Abend mehr von dieser Energie gebrauchen können. Eine frühe, wohlmeinende Podiumsdiskussion zum Thema Gastfreundschaft scheiterte bereits in den ersten Minuten, als Margriet Schavemaker vom Amsterdam Museum den in Südafrika geborenen Desando nach seinen Erfahrungen in den Niederlanden fragte. „Seien wir ehrlich, es ist kein offener Ort“, antwortete er und wies darauf hin, dass es nicht dasselbe sei, jemandem ein Willkommenspaket mit einer Karte zu hinterlassen, als ihn tatsächlich an die Hand zu nehmen und ihm einen Ort zu zeigen. Lara Khaldi von De Appel bestätigte diesen Eindruck. „Strukturell gesehen gibt es in der Gastfreundschaft viele Machtdynamiken. In diesem Fall besteht die Erwartung, sich zu integrieren, aber das Interesse beruht nicht auf Gegenseitigkeit.“ „Aber um das wieder auf die Kunst zurückzubringen …“ Schavemaker fuhr fort, ihr Lächeln fixiert. „Documenta, das war ein Aufruhr, oder?“ (Gut gerettet.)

DONNERSTAGMORGEN nahm ich den Eurostar nach London, wo ein eigenes Galerie-Wochenende ankündigte. Ohne Studiobesuche, die das Rampenlicht stehlen könnten, war der Headliner der Woche wohl Gagosians Gigant „To Bend the Ear of the Outer World: Conversations on Contemporary Abstract Painting“. Kurator Gary Garrels hatte die Ausstellung als Erweiterung seiner Ausstellung „Oranges and Sardines“ aus dem Jahr 2008 konzipiert, einer Ausstellung mit sechs Künstlern im Hammer Museum in Los Angeles. Für dieses neue Update ergänzte Garrels die Gemälde des ursprünglichen Sextetts – Mark Grotjahn, Wade Guyton, Mary Heilmann, Amy Sillman, Christopher Wool und Charline von Heyl, die zu den wenigen wirklich herausragenden Künstlern der Show zählte – mit frischen Werken von Frank Bowling. Laura Owens, Nathlie Provosty und David Hammons.

Die Show war aufgeteilt in eine fensterbewusste Ausstellung in der Davies Street (Katharina Grosse, Mark Bradford, Lesley Vance) und im Hauptquartier am Grosvenor Square, die mit einem Paar Tomma Abts und Cecily Brown eröffnet wurde. „Ich wusste, dass es mit Tomma beginnen musste“, schwärmte Garrels, als er mir seinen Prozess erläuterte. Bald gesellte sich Sillman zu uns, der den Kurator mit der typischen Herzlichkeit begrüßte. „Wir sind Nachbarn!“ „Es ist wahr“, Garrels nickte. „Wahrscheinlich gibt es hier mehr Künstler aus North Fork als aus New York.“ Es gab auch eine beträchtliche Anzahl von Händlern, darunter Carol Greene, Gio Marconi, Stuart Shave und Nicholas Logsdail, die sich neben Gregor Muir von der Tate Britain und Nicholas Cullinan von der National Gallery of Art mischten.

„Damit kommt ein Museum nicht durch“, bemerkte Oscar Murillo und wedelte mit der Hand durch einen Raum im Obergeschoss, der mit Statement-Stücken von Murillo, Thilo Heinzmann und einem Jadé-Fadojutimi, der Monet-Seerosen schenkte, übersät war. Natürlich gab es die nötige Kritik – „Sie sind Gagosianer, Sie könnten sich jedes Stück der Welt aussuchen. Warum diese?“ –, aber am folgenden Nachmittag gab es nur wenige Beschwerden, als die Galerie einen schicken Eiswagen vermietete, um die Gäste zu verwöhnen (Möglicherweise hat mir jemand ein Foto geschickt, nachdem ein Schurkenregisseur seine eigene Intervention hinzugefügt hatte, ein Schild mit der Aufschrift „Keine Händler, keine Rabatte.“)

Gleich um die Ecke veranstaltete Sprüth Magers einen eigenen Empfang für Andro Wekua, und Thomas Struth hatte ausgerechnet ein Saxophonkonzert im Max Hetzler orchestriert, aber ich musste nach Haggerston, wo Hackneys Bestes aufgetaucht war in voller Kraft für die Ausstellung von Rhys Corens einfachen, luftigen und unglaublich kompliziert zu konstruierenden Gemälden in der Seventeen Gallery. Weiter östlich eröffnete Maureen Paley zwei Ausstellungen: Avis Newman im Three Colts Lane und eine umfangreiche Keramikausstellung von Reverend Joyce McDonald im neuen Studio M der Galerie in Shoreditchs grüner Rochelle School. Anschließend feierten Künstler wie Jane und Louise Wilson, Praneet Soi, Bruno Pacheco und Behrang Karimi die Doppeleröffnung bei Tellern mit tadellos zubereitetem Fisch in der Rochelle Canteen.

„Wir haben wirklich Glück, hier zu sein“, sagte mir Paley. „Ursprünglich war es nur ein Zwischenstopp, während wir in die neue Galerie einzogen. Aber als Mieter können wir diesen Raum im Erdgeschoss nutzen und dieses unglaubliche Essen genießen. Das hat uns den Abschied wirklich schwer gemacht.“ Das Catering war wirklich phänomenal – auf Augenhöhe mit dem Unternehmen – und ich wünschte, ich wäre noch einen Moment zurückgekommen, bevor ich das fünfzigminütige Taxi nach Holland Park zur Gagosian-Afterparty im kürzlich wiedereröffneten Belvedere genommen hätte, einem ehemaligen Stall aus dem 17. Jahrhundert -moderner-Hochzeitsort. Unsere Crew traf rechtzeitig ein, um Wellen silberhaariger Gäste zu erwischen, die in die Gärten strömten, nicht unähnlich der Höhepunktszene in „Das letzte Einhorn“, in der alle Einhörner gleichzeitig aus dem Meeresschaum auftauchen. Händlerin Victoria Al-din blickte auf ihre Uhr und zuckte mit den Schultern. „Nun, sie haben gesagt, dass das Essen um 10:30 Uhr aufhört.“

Drinnen könnte man meinen, das Essen hätte noch nie begonnen. Inmitten der dekadenten Umgebung stürzten sich ausgehungerte Partygänger auf Margherita-Pizzen, sobald sie ihre kleine Imbissbude verließen (ich erwischte eine besondere Platte mit Pommes, die liebevoll an einen leeren Tisch mit der Aufschrift „Reserviert“ gebracht wurde). Die Bar war jedoch in vollem Gange und überraschend effizient, die Basilikum-Margaritas flossen in Strömen und auf dem Balkon war kaum Platz.

Der Mutige wagte sich weiter nach Groucho zur offiziellen LGW-Willkommensparty (ich kann nicht anders, als Gatwick mit diesem Akronym zu nennen) und noch andere nach Chiltern, weil London offenbar diesen Zwang in den Menschen hervorruft, aber ich musste am nächsten Morgen hell und früh aufstehen für einen schicken Bagel-Brunch im Waddington Custot. Die Galerie enthüllte das zweite Kapitel von „Picture This: Photorealism 1966–1985“, einem betörenden Überblick über eine überraschend wenig beachtete Bewegung. „Fotorealismus ist so eine Fehlbezeichnung“, beklagte Regisseur Jacob Twyford. „Das sind keine Gemälde, die versuchen, die Realität wie ein Foto einzufangen, es sind Gemälde, die das Foto als ihre Realität annehmen.“

Der Schriftsteller Daniel Culpan und ich hielten inne und bewunderten, wie Ralph Goings seine Unterschrift in den Boden des Etiketts einer Heinz-Ketchup-Flasche gesteckt hatte, sowie einige erlesene Schimmer entlang der sonnenbeschienenen Flanken mehrerer Autos aus den 1970er-Jahren, die einen schönen Kontrast zum Airbrush bildeten Innenräume zerstörter Autos von John Salt. „Davon gibt es nur etwa neun“, fügte Twyford hinzu, bevor er sich dem vielleicht kniffligsten Werk der Ausstellung zuwandte: einem wandschluckenden Gemälde einer Fotocollage von Ben Schonzeit aus dem Jahr 1972, dessen visuelle Possen heute nicht fehl am Platz wären .

Apropos fehl am Platz: Bei Edel Assanti füllte Marcin Dudeks „NEOPLAN“ den größten Teil der Galerie mit einem verlassenen Fußballbus, der von einer gegnerischen Fangemeinde verwüstet worden war. „Es kam tatsächlich flach verpackt an“, erzählte mir Berta Zubrickaitė. „Es hat fünf Tage gedauert, alles zusammenzustellen.“ Das Ergebnis schreite „Yellowjackets“ und die Besucher wurden ermutigt, sich einen Weg durch die Trümmer zu bahnen. Bei der Eröffnung hatte der Künstler Leuchtraketen gezündet und die Wände mit mandarinenfarbenen Streifen versengt. Regisseur Charlie Fellowes und ich waren uns einig, dass die Geste den Raum wirklich zusammenbrachte (angeblich hatte sie auch dazu geführt, dass die Teilnehmer aus den Türen stürmten).

London hat keine Geduld für das dreistündige Mittagessen. Das ist eine kleine Sandwich-Kultur, Leute. An diesem Nachmittag fuhr ich nach Lisson, um Cory Arcangel und Kurator Omar Kholeif beim Gespräch zu beobachten, und später Phillida Reid für Edward Thomassons Show „Burning Desires“, in der Josh Andraos eine durchdringende Darbietung roher Verletzlichkeit zeigte. Während ich über die inhärente Unbeholfenheit von Intimität grübelte (ein Thema, das sich wunderbar auf meine WhatsApp-Threads ausdehnte), machte ich mich auf den Weg zum Rodeo, wo Nour Mobarak die erste Oper der Welt neu inszeniert hatte – La Dafne von Jacopo Peri und Ottavio Rinuccini, die 1598 für ein Jahr aufgeführt wurde Publikum von Medicis – mit einem Gipsabdruck, der aus vom Künstler sorgfältig kultiviertem Myzel geformt wurde. Diese Ersatzsänger werden im Juli dieses Jahres in größerem Umfang auftreten, wenn der Künstler die gesamte Oper in Piräus auf die Bühne bringt. „Es gibt keine Aufzeichnungen über die Musik“, erklärte Katy Green, „also übersetzte Nour das Libretto in die fünf Sprachen, die die meisten Phänomene enthalten.“ Eigentlich die einzig logische Lösung, wenn man eine Pilzoper aufführt.

Wenn Gagosians umfangreicher Blockbuster den Ton für die Woche vorgegeben hatte, scheuten sich andere Galerien nicht davor, die Dinge locker und präzise zu halten. Im Bury Street-Standort von Modern Art umfasste die Ausstellung von Jacqueline Humphries nur drei Gemälde (vorausgesetzt, zwei davon waren im Grunde eigenständige Wände), während Lisa Brice nebenan bei Sadie Coles nur zwei zeigte: ein aufrührerisches Werk, das sie mit zwanzig geschaffen hatte -Drei und ein als Reaktion darauf geschaffenes neues Gemälde, das Manets A Bar at the Folies-Bergère, 1882, eine derbe Wendung gibt.

Ich beendete meinen Abend in Bethnal Green im The Approach, wo Tom Allen einen frischen Strauß seiner mystischen Blüten anbot. Bei G&Ts auf den Bänken draußen wandte sich das Gespräch wieder Coles zu. „Es ist wirklich erstaunlich, welchen internationalen Einfluss sie aufgebaut hat“, staunte eine Galeristin, „besonders angesichts der Tatsache, dass sie dem Drang zum Franchising widerstanden hat und einfach in einer Stadt verwurzelt geblieben ist.“ Aber wozu dienen Gallery Weekends – übrigens auch G&Ts –, wenn nicht, um uns zu zeigen, wie wichtig es ist, dort zu bleiben?

–Kate Sutton